Melhores filmes musicais do século 21

Com Mary Poppins Returns definido para dominar as bilheterias nesta temporada de férias, e Anna e o Apocalipse ganhando crédito indie entre geeks e gorehounds do teatro em todo o mundo, é justo dizer que o musical está de volta e mais saudável do que esteve em décadas. Nós temos escrito no passado sobre como o Renascimento da Disney plantou as sementes para que uma nova geração de millennials abraçasse os musicais depois que seus pais os rejeitaram em grande parte, e a prova nunca foi mais impressionante do que nos últimos anos.

Embora o século 21 tenha começado com os observadores e críticos da indústria sendo boquiabertos que as adaptações da Broadway e musicais de jukebox pudessem fazer um grande negócio novamente, bem como ser grandes candidatos a prêmios, agora é comum ver um punhado de fantasias com canções originais não apenas lançado a cada ano, mas depois se tornou um grande fenômeno da cultura pop. Mesmo a necessidade de musicais anteriores de usar melodias pop ou obscurecer o uso de sequências não diagéticas (onde os personagens podem explodir aleatoriamente na música sem lógica ou uma trilha sonora original por trás deles) desapareceu. O gênero agora é simplesmente uma alternativa saudável para estúdios que desejam diversificar portfólios além de capas e reboots.

Por esse motivo, reunimos uma lista do que humildemente consideramos os melhores musicais do século XXI. Ao contrário de nossa lista de musicais clássicos de filmes de Hollywood , estamos incluindo adaptações teatrais e da Broadway nesta lista, no entanto, ainda vamos excluir filmes estritamente animados ou aqueles que dependem apenas de música diagética (ou seja, nenhuma animação da Disney ou biopics musicais focados no palco, desculpe). Além disso, todas as inscrições precisam ter sido lançamentos de tela grande e não filmes de televisão ou produções de TV “ao vivo”. Agora vamos começar a bater os pés!

La La Land

Provavelmente o filme mais elogiado desta lista, também argumentaríamos La La Land é o melhor apesar de algumas das reações violentas sua popularidade produzida. É o filme que os ex-colegas de quarto da faculdade Damien Chazelle e Justin Hurwitz sempre quiseram fazer, inclusive quando o respectivo escritor-diretor e compositor produziu Guy e Madeline em um banco de jardim em 2009. La La Land cumpriu a promessa do potencial desse indie, alcançando sua visão ao voltar ao musical da velha escola de Hollywood nos moldes de Fred Astaire / Ginger Rogers e Arthur Freed. As estrelas modernas Ryan Gosling e Emma Stone certamente não são tão polidas quanto Astaire-Rogers, ou Gene Kelly e Debbie Reynolds, mas tal imperfeição ressalta o brilho do filme.

Como um dos primeiros grandes musicais do século, com um livro de canções completamente original e sem suporte IP como, digamos, Disney, a imagem voa no romance borbulhante e química entre Gosling e Stone, cujos duetos ao pôr do sol reacendem a simples alegria de ver estrelas de uma geração anterior dançando de rosto colado. E, no entanto, as complexidades da vida que não podem ser resolvidas por uma balada, ainda assim, invadem a ilusão. No final, realidade e artifício se chocam, mas também se complementam em sua valsa compartilhada, levando a um final amargo e agridoce que oferece o devaneio Technicolor de outrora e algo um pouco mais adulto, e verdadeiro, como o desenlace final. É uma celebração da necessidade dos sonhos —Incluindo os fantásticos que nunca são melhores no filme do que quando dançam em um estúdio de som — mesmo que só consigam pular até certo ponto em face dos obstáculos do mundo real. Os sonhos e a vida que eles adoçam formam uma doce harmonia, um truísmo que não é melhor realizado do que os visuais vibrantes de Chazelle e a música assustadora de Hurwitz.

Red Mill!

Aquele que começou tudo na era moderna, Red Mill! A translúcida rendição a uma farra de absinto pegou Hollywood de surpresa quando esta colagem experimental de música pop acabou sendo um dos sucessos surpresa de 2001. O gênero musical antes morto do que o disco estava novamente atraindo um público relativamente grande ao vivo. ação, um feito que foi possibilitado pela escolha astuta de Baz Luhrmann de utilizar a maioria das grandes canções de amor Top 40 dos 35 anos anteriores. Certamente extrai sua familiaridade com todos os artistas, de Sting and the Police a Madonna e os Beatles, mas o brilho desta obra-prima se estende além de suas emoções de jukebox de nível superficial.

Red Mill! se beneficia enormemente de Luhrmann no auge de sua arte e no auge de sua 'Trilogia da Cortina Vermelha'. Caindo no excesso, do design de produção aos trajes luxuosos, o esforço incrivelmente anacrônico de Luhrmann transforma o cinismo da 'edição na MTV' em uma forma de arte, ao tentar manipular os espectadores para que alcancem uma frustração frenética e sobrecarga sensorial durante os primeiros 20 minutos. Nesse tempo, o filme salta de David Bowie para Julie Andrews e depois até o Nirvana. Depois, os cineastas lentamente despojam a decadência, camada por camada, até que a maioria dos espectadores se envolva em uma história de amor operística entre a cortesã Satine (Nicole Kidman) e seu escritor pobre Christian (Ewan McGregor) enquanto eles são engolfados por sombras esparsas.

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Um épico grandioso que mistura alegremente o melodrama do século 19 e a música do final do século 20 / estilos de produção de filmes populares, incluindo alusões a Bollywood, o filme é uma viagem ácida na qual os cineastas estão evidentemente em alta com seu próprio suprimento. Mas também é contagiante para a maioria do público que não pode negar a tragédia agravada ou justaposição magistral de elevada 'arte' e comercialismo populista. Sem nenhum outro filme realmente parecido, Red Mill! mais do que andar na corda bamba acima do desastre potencial: ele dá cambalhotas nele.

Sweeney Todd: o demônio barbeiro da Fleet Street

A adaptação mais drasticamente reimaginada da Broadway na memória recente - ou talvez alguma vez - Sweeney Todd As ousadas liberdades também são o motivo pelo qual é a melhor deste século. Notavelmente celebrado pelo compositor e letrista Stephen Sondheim, que aprovou com entusiasmo a transformação de Tim Burton de seu drama barroco de comédia negra em tragédia de terror puramente niilista, Sweeney Todd é uma obra engenhosa que Burton contemplou por décadas. É também provavelmente por isso que é seu último grande filme também. Inclinando-se na horrível presunção de um musical que é sobre um barbeiro vingativo matando qualquer solitário que entra em sua loja e deixando a senhoria no andar de baixo, Sra. Lovett, assá-los em tortas de carne, a versão cinematográfica de Sweeney Todd assemelha-se mais aos filmes de terror da Universal dos anos 1930 ou aos chillers Val Lewton dos anos 40 do que à encenação tradicional.

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Dessaturado ao ponto de quase preto e branco, o filme só é pontuado por uma porção glutona de vermelho quando Sweeney corta gargantas abertas. Sem os jorros carmesins e o canto quase de parede a parede, não há razão para que esta iteração de Sweeney Todd não poderia ter sido um veículo estrela para Boris Karloff ou Peter Lorre 70 anos antes. Do jeito que está, o filme se torna um destaque para Johnny Depp que, então no auge da popularidade, se transforma em uma performance introvertida e minimalista que, no entanto, exala carisma de estrela do rock. Apresentando um lampejo de cabelo branco em homenagem a Noiva de frankenstein , esta é a criação mais horrível que o ator ou Burton já fez, retomando a agência de Sweeney da Sra. Lovett. Enquanto isso, o presunto empreendedor do palco se torna uma criança abandonada não correspondida, como retratado por Helena Bonham Carter. Essa mudança torna a relação fatalista entre ela e o Sr. Todd tão sombria quanto as lágrimas vermelhas derramadas pela navalha de Sweeney - e tão estranhamente bela quanto a mesma obra de arte de Grand Guignol também.

Os Muppets / Muppets Mais Procurados

Obviamente, um híbrido de atores e titereiros, a dupla de Muppets filmes produzidos pela Disney entre 2011 e 2014 são alguns dos entretenimentos familiares mais puramente alegres dos últimos tempos. Ao criar um novo Muppet chamado Walter (Peter Linz), o filme é um ponto de entrada inteligente no mundo dos Mupetting, com um estranho reunindo a banda novamente quando ele e seu irmão humano Gary (Jason Segal) devem viajar pelo país para recrutar todos os Muppet favoritos para uma nova tentativa em um programa de TV. O filme é estereotipado e fantástico graças ao otimismo obstinado do diretor James Bobin e do escritor Nicholas Stoller, além de duas atuações vencedoras de Segal e Amy Adams.

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No entanto, pessoalmente, prefiro a sequência subestimada Muppets mais procurados , porque enquanto Segal e Adams estão fora, os Muppets comandam o show. Artistas humanos como Ty Burrell e Tina Fey assumem um papel muito mais coadjuvante (e bem-humorado) para seus amigos sentidos, inclusive nas canções, mas tudo isso é animado ainda mais por um livro ainda melhor de canções de Bret McKenzie de Voo dos Conchords fama. As músicas e a sensibilidade irônica de Stoller brilham em um grau ainda maior enquanto zombam dos conceitos de sequências, do comercialismo básico da Disney e até mesmo de seu público. É isso Conchords - borda esquisita que faz com que ambos os filmes, especialmente a sequência, realmente cantem, mesmo nas cenas em que Kermit não está usando cartola e cauda.

Chicago

Provavelmente o filme mais glamoroso desta lista, Chicago foi o brinde de Hollywood durante seu lançamento, ganhando sete de suas 15 indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme. Hoje isso fica mais nebuloso, já que muitos desses louros foram produto da máquina de campanha dos prêmios Harvey Weinstein, mas, por sua própria conta, o filme de Rob Marshall ainda é um excelente filme musical por direito próprio. Como o outro filme creditado por trazer o musical de volta para adultos depois Red Mill! , Chicago é notavelmente um produto daquela época ambígua para o gênero. Apresentando quase todas as suas canções como 'sequências de sonho' ou fantasias, ele anda no limite da regra diagética desta lista, particularmente porque a única sequência puramente não diagética, 'Classe', foi cortada do filme final.

No entanto, é um filme tão puro quanto o de Bob Fosse Cabaré obra-prima de 1972, mesmo que o esforço de Marshall seja um pouco tímido em tentar ter as duas coisas. Apresenta números musicais fantásticos de Kander e Ebb trazidos à vida reluzente e decadente pela própria nova coreografia de dança de Marshall, uma parábola ainda perversamente precisa sobre a celebridade e a infâmia serem a mesma na vida americana e um design de produção que é elegante ao extremo . Também impulsionado por uma performance merecidamente vencedora do Oscar por uma pateta 'Catherine Zeta-Jones e uma virada ainda mais comovente (e muitas vezes esquecida) de John C. Reilly como o marido traído que ninguém, incluindo sua esposa assassina, pode se lembrar que existe, Chicago é tão brilhante e chique quanto os prêmios que perseguiu.

Rua Cante

No entanto, se pudermos creditar as sequências de sonho em Chicago como extravagâncias musicais elegíveis, isso significa que John Carney's Rua Cante também deve se esgueirar devido a um único momento semelhante (sim, eu admito que isso está beirando uma trapaça). Um conto tradicional sobre o amadurecimento sobre um garoto irlandês apaixonado por todas as músicas dos anos 80 - do punk rock ao glam e pop - Rua Cante não está procurando reinventar a roda. Ainda assim, vem de um lugar emocional genuíno para Carney, que retrata o desejo utilitário de formar uma banda de colégio (para conseguir uma garota) e, em seguida, o despertar para a criatividade musical que se segue, talvez melhor do que qualquer cineasta antes dele.

Rua Cante O foco em um par instantaneamente agradável de Ferdia Walsh-Peelo e Lucy Boynton, e mais apropriadamente uma recriação meticulosa da classe trabalhadora de Dublin nos anos 80, é um claro vencedor. Quando acentuado por canções originais escritas por nove talentos, incluindo o próprio Carney, e Rua Cante torna-se uma brincadeira alegre na linha da memória com um inferno de um gancho cativante.

Encantado

Como um filme que antecedeu o segundo Renascimento da Disney, que começou alguns anos depois com Emaranhado , Encantado é um híbrido musical / romcom de filme da Disney que é mais divertido do que provavelmente tem o direito de ser. Isso se deve em grande parte a Amy Adams em seu governo de fazer estrelas. Fazendo jus ao título, Adams oferece uma atuação sincera e sinceramente doce como uma 'princesa da Disney' que é desprovida de autoconsciência ou qualquer tipo de ironia enjoativa que mais tarde iria atormentar muitos dos projetos de princesa da Disney na TV, como Era uma vez . Encantado A premissa de, que começa com a animada futura princesa Giselle (Adams) e um belo príncipe (James Marsden) escapando para uma cidade de carne e osso de Nova York, é a típica comédia de peixe fora d'água que deve mais do que um pouco ao de Ron Howard Splash , embora com uma liderança masculina muito menos convincente no lugar de Tom Hanks.

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Mesmo assim, Encantado tem uma disposição cativante por causa do encanto natural de Adams, bem como canções que ficam mais do que felizes em zombar de si mesmas enquanto Adams mantém as coisas sob controle. Composta por Alan Menken - metade das equipes por trás da música de A pequena sereia, Aladim, a bela e a fera e muito mais - as músicas têm aquela mistura dos anos 1990 de Broadway e Disney em seu DNA, fazendo com que este seja um dos episódios mais esquecidos, mas atraentes, tanto no musical do filme quanto nos cânones tradicionais da Disney.

Os últimos cinco anos

Talvez mais divisivo do que a maioria dos filmes nesta lista, Estou no acampamento que no geral gostou desta adaptação falha, mas astuta do musical Off-Broadway. Um grande afastamento do palco, uma vez que os personagens de Cathy (Anna Kendrick) e Jamie (Jeremy Jordan) nunca realmente interagem, exceto por um dueto no show, este filme sobre uma história condenada entre amantes certamente torna a peça sua. Jordan é amplo, mas apaixonado no papel de um autor de rápido sucesso, enquanto sua esposa, com quem ele se casou logo após a faculdade, luta em busca de realização artística. As canções de John Robert Brown estão cheias de dor de cabeça pungente e melancolia melancólica - bem como um certo grau de auto-racionalização, já que a história é infame, inspirada, em parte, pelo próprio casamento fracassado do criador. Mas o filme ganha vida quando Kendrick domina em seus solos, seja em novas letras geladas que zombam da atuação de Russell Crowe em Miserável ou no número de abertura devastador em que ela chega em casa e descobre que seu marido a deixou covardemente por meio de uma nota, a musicalidade de Kendrick nunca foi melhor utilizada na tela.

Dreamgirls

Depois de escrever a adaptação de um dos maiores sucessos musicais de sua década, Bill Condon decidiu segui-lo com um esforço de redação e direção que também gerou bilheteria e comemoração de prêmios. Aqui Condon se move de Kander e Ebb's Chicago a uma adaptação do R&B de Henry Krieger e Tom Eyen inspirado na Motown Dreamgirls . O filme finalizado marcou o maior impulso de Beyoncé e Eddie Murphy para o reconhecimento do Oscar, mas agora é mais lembrado pela evisceração comovente de Jennifer Hudson das lentes da câmera e do público durante 'And I Am Telling You I'm Not Going'. É um momento icônico no cinema musical que ganhou Hudson, um ex- ídolo americano concorrente, status de estrela instantânea e uma merecida estatueta do Oscar. É também o ponto alto de um filme musical muito bom.

Vagamente inspirado na história da Motown, atua como Supremes e James Brown, Dreamgirls é uma narrativa familiar de ascensão e queda que foi (melo) dramatizada apenas o suficiente para ser uma ficção ainda mais apetitosa, como visto quando Curtis de Jamie Foxx bane Effie de Hudson de sua banda, alheia ao fato de que ela está grávida de seu filho, enquanto namorava o mais amplamente (isto é, mais branco) atraente Deena Jones (Beyoncé). É um ambiente rico em notas agudas para muitas músicas que ainda têm ardor, todas apresentadas em montagens quase infinitas que podem ser muito brilhantes pela metade, mas permanecem sempre convidativas.

Dentro da floresta

O primeiro de Rob Marshall do que parece ser pelo menos uma trilogia de musicais para a Mouse House começou com esta adaptação de Stephen Sondheim. Marcando a segunda transferência bem-sucedida da musicalidade de Sondheim para a tela grande, o filme gerou algum ceticismo inicial de que Disney minimizaria a ambigüidade moral de suas letras - e para ser justo, Dentro da floresta faz backpedal em algumas das partes mais sombrias. No entanto, quando ainda apresenta um Johnny Depp lobo desejando uma garotinha, é justo dizer que a adaptação foi capaz de encontrar um meio-termo.

Este filme, no entanto, realmente pertence a Meryl Streep. Tendo aparecido anteriormente em vários grandes quase musicais como Um companheiro da pradaria , e um péssimo, mas muito bem-sucedido, direto em Mamma Mia! Streep visivelmente adorou interpretar a suposta bruxa malvada da peça. No entanto, é tão perverso apontar para os muitos protagonistas do filme que eles não são boas pessoas quando estão apenas fingindo agir 'bem?' Com música que espelha 'Teddy Bears’ Picnic 'de John Walter Bratton e Jimmy Kennedy, e um elenco de estrelas divertidamente exagerando, Dentro da floresta é uma produção pródiga com melodias bonitas e relatividade moral enganosamente matizada. É também o filme que trouxe à consciência pública que Emily Blunt é uma cantora fantástica. Mais sobre isso mais tarde ...

Laca

À medida que a Broadway busca cada vez mais apostas seguras com adaptações musicais de filmes já populares e propriedades preexistentes, é provável que vejamos mais dessas façanhas autorrealizáveis ​​de IP mutante. O famoso Mel Brooks transformou sua própria comédia clássica às custas da Broadway, Os produtores , em um grande show da Broadway (e, em seguida, em um não tão bom remake de um filme musical), e Laca seguiu o padrão para resultados surpreendentemente mais eficazes quando sua terceira fase do tríptico foi concluída. Uma adaptação do show da Broadway de Marc Shaiman e Scott Wittman, que por sua vez foi uma adaptação de um filme não musical de 1988 de John Waters, de 2007 Laca é uma comédia adolescente incrivelmente eficaz com alguns vermes cativantes.

Situado na década de 1960 em Baltimore, o filme é a história de Tracy Turnblad (Nikki Blonsky) aprendendo a auto-aceitação ao encontrar um sucesso inesperado em uma competição local de dança para adolescentes. Ela também se torna uma líder improvável de uma luta pelos direitos civis em uma subtrama do salvador branco que envelheceu incrivelmente mal.

Ainda assim, o filme é provavelmente mais lembrado pela virada exagerada e insinuante de John Travolta como a mãe de Tracy, Edna. Dado que ele está substituindo a verdadeira lenda drag queen Divine do filme original, houve algumas sobrancelhas compreensivelmente levantadas para o elenco de Travolta na comunidade LGBTQ, mas no vácuo do filme, o primeiro Graxa estrela está em seu elemento de queijo e um lado de presunto. Ele também joga bem com Christopher Walken como marido de Edna. Junto com Michelle Pfeiffer, a geração mais velha deixa muito pouco do cenário sem mastigar para as estrelas ostensivas da peça, que também incluem Zac Efron, Brittany Snow e Amanda Bynes. Mas tudo é bastante discutível quando as músicas são tão irresistíveis como 'You Can't Stop the Beat'. É frívolo, mas é uma frivolidade muito divertida.

Mary Poppins Returns

Em última análise, menos uma sequência completa do que um remake solto do clássico de 1964 estrelado por Julie Andrews, não há muito original sobre esta Mary. Mas ei, funcionou para O Despertar da Força , e funciona aqui também . O maior elogio que podemos dar é que Emily Blunt faz o que parece impossível e é capaz de se colocar no lugar de Julie Andrews com uma voz um pouco menos impressionante, mas uma disposição igualmente desarmante. Sua Mary é vaidosa e amigável do que Andrews, e ela faz a tela sua, especialmente quando está na música - e ainda mais quando essa música é um dueto com Jack de Lin-Manuel Miranda. Os dois são como um ato de Vaudeville na tela, inclusive durante uma cantiga Vaudevilliana real, trazendo uma flutuabilidade tão efervescente que é impossível não sorrir, mesmo que seu cérebro perceba que você já viu todas essas batidas de história antes, e com músicas muito melhores da última vez.

https://www.youtube.com/watch?v=86lczf7Bou8

Os Miseráveis

O musical com um dos melhores momentos do gênero já colocado em celulóide (infelizmente, pobre Fantine, mal te conhecíamos!) E alguns dos piores (oh, Javert, conhecemos seu canto muito bem!), Adaptação de Tom Hooper de Miserável é definitivamente um saco misturado. Tendo a tarefa nada invejável de adaptar um épico de teatro musical extenso, que por sua vez é baseado em um romance ainda mais extenso e prolixo de Victor Hugo, Hooper faz um esforço hercúleo de casar a coragem daquele texto com a grandeza de um dos mais ricos cancioneiros de história.

E para ter certeza, a música de Claude-Michel Schönberg ainda sobe, especialmente quando o trabalho de câmera empolado de Hooper pode sair de seu caminho. O filme é, portanto, um investimento que vale a pena por causa da extensão daquelas melodias e do próprio conto sórdido de Hugo sobre um ex-condenado chamado Jean Valjean (Hugh Jackman) sendo perseguido por décadas pela lei, personificado aqui pelo inspetor absolutista Javert (Russell Crowe) . Jackman é bom como o prisioneiro nobre e perseguido que viu a luz na implacável França pós-napoleônica, e Crowe é uma figura arrojada como Javert quando não está cantando ... infelizmente para ele, o filme é quase um canto de parede a parede . Seu maior problema, no entanto, é que, apesar de toda a verossimilhança que Hooper impressionantemente acrescenta ao insistir em 'cantar ao vivo', sua direção muitas vezes diminui a importante qualidade da música e da emoção, principalmente durante uma versão diluída de 'One Day More', o outro detonador do palco.

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Mas seu ás na manga é Anne Hathaway como Fantine. Enquanto outros closes longos e ininterruptos podem parecer teatrais, o grande número solo de Fantine - astutamente movido para o momento mais baixo de sua breve vida depois que ela vendeu seu cabelo, dentes e, finalmente, seu corpo para encontrar dinheiro para seu filho - é um tour de force de miséria e derrota esmagadora. Cantando ao vivo, e com uma câmera praticamente tocando seu globo ocular, Hathaway ganhou seu Oscar por levar qualquer espectador de mente aberta às lágrimas. Ela também eleva uma das muitas transferências desiguais da Broadway para Hollywood em algo cru e especial.

O maior showman

Para ser sincero, não sou fã deste filme, pois Eu atesto na minha crítica . É meloso, manipulador e muito distraído ao agitar vigorosamente sua bandeira Woke para perseguir qualquer conflito significativo. No entanto, existem outros em nosso site que estão convencidos de seus encantos , e definitivamente merece reconhecimento, pois se conectou a um grande público - maior internamente do que qualquer outro filme desta lista, no valor de US $ 174 milhões. Seu roteiro pode se gabar disso porque é uma celebração da humanidade, mas eu suspeito que pode ter a ver com sua abordagem simplista (mas bem-intencionada) sobre inclusão e algumas melodias prontas para o Top 40.

Com músicas de Benji Pasek e Justin Paul, a equipe por trás Caro Evan Hansen , cada verso parece projetado para ser um hino de nomes como Lady Gaga, Katy Perry, ou na parte mais emocionante do filme (“Never Enough”), talvez Adele. E para ser honesto, as músicas são melhores do que muito do pop mainstream que ela emula, e assim é Hugh Jackman como um MC vencedor. Seu charme e carisma naturais mantêm uma história construída em clichê e papelão juntos, e as canções inescapavelmente hipnotizantes, bem como algumas coreografias de dança espetaculares, tornaram isso uma pedra de toque cultural para a próxima geração. Não é tão inspirado ou visionário quanto o anacrônico Red Mill! -e isso tão quer ser, mas é um grande sucesso musical não baseado em um show preexistente da Broadway ou um catálogo de amados líderes das paradas. É a prova final de que o musical está de volta, e você não precisa de IP ou Oscar para competir. Isso é digno de uma gorjeta do velho elefante.

Portanto, existem os melhores musicais do século 21 (até agora). Perdemos algum? Existem talvez alguns fios fantasmas que ignoramos ou algum espaço que não foi alugado? Deixe-nos saber na seção de comentários abaixo!

David Crow é o Editor da Seção de Filmes da Den of Geek. Ele também é membro da Online Film Critics Society. Leia mais de seu trabalho aqui . Você pode segui-lo no Twitter @DCrowsNest .